Dolby Atmos Tracks – Warum es für Metal in 3D-Audio funktionieren kann

Es ist bekannt, dass Metal-Fans Alben gern mit chirurgischer Präzision sezieren. Aber ohne angenehme Hörbedingungen gibt es kein echtes Sezieren. Der ultimative Ritus besteht darin, jenes verborgene Detail aufzuspüren, das weniger geschulten Ohren entgeht, ein kleiner Ego-Trip inklusive. Simon Hench, ein versierter Londoner Verleger, der Wagners neue Oper zu ergründen versucht, sagt: Alle Bedingungen müssen stimmen.

Sonst weckst du den reizbaren, weil leidenschaftlichen Hörer in dem Moment, in dem das Erlebnis durch äußere Störungen beschädigt oder zerhackt wird. In einer Live-Analyse des Stücks während der Digital Methods Winter School predigte Professor Richard Rogers, dass „Ablenkung zu Unaufmerksamkeit führt, zu Unsensibilität“. Eine treffende Eingangsbemerkung, die für viele kreative oder reflektierende Tätigkeiten gilt. Wenn du ein in Dolby Atmos Tracks gemischtes Album abspielst, ergibt dieser Anspruch auf Ruhe und Fokus vollkommen Sinn. Die Technik verstärkt die Sinneswahrnehmung.

Metal zum vergoldeten Preis

In Frankreich hat Dolby rund ein Dutzend Pathé-Kinos mit seiner proprietären Atmos-Technik ausgestattet, die seit 2012 im Einsatz ist. Das Unternehmen verspricht ein sinnliches Erlebnis und behauptet, das „Schaffen neu zu erfinden“. Über dediziertes Surround-Mixing und -Mastering hat sich das Format auch in der Musikindustrie verbreitet.

Laut dem Dolby-Professional-Verzeichnis erfüllen weltweit weniger als tausend Studios die Hardware- und Technikempfehlungen des Unternehmens, um den Service anzubieten, davon 46 in Frankreich. Angesichts der Investitionen, die der Bau eines Dolby-Atmos-Mischraums erfordert, spezialisieren sich nur wenige Tontechniker darauf.

Auch wenn sich die Preise in Richtung „Standard“ bewegen, treibt diese High-End-Positionierung die Kosten für Atmos-gemischte Tracks weiter nach oben. Dann muss man sie erneut anpassen, je nach Ausgangsmaterial und Anzahl der zu bearbeitenden Mono-Stems. Diese Hürden halten die Technik zusammen mit dem Labyrinth an Vertriebswegen in einer elitären, Dream-Theater-kompatiblen Sphäre. Ein Juwel, das sich nur wenige aufstrebende Künstler leisten können. Die meisten müssen sich mit Homestudios begnügen.

Andernfalls nehmen sie künstlerische Kompromisse in Kauf: die Suche nach einer Koproduktion und/oder Monate statt Tage für Aufnahme und Mischung, selbst wenn sich dadurch die Veröffentlichung verzögert.

Wenn es die Deadline des Labels [Anm. d. Red.: Season Of Mist] nicht gegeben hätte, würde Tom [Geldschläger] das Album immer noch mischen“, scherzt Changeling-Sänger Florian Magnus Maier „Morean“ gegenüber Horns Up.

Viele Alben leiden unter Budgetzwängen oder fehlender Expertise, die man der Mischung anhört. Eines Tages hörte ich Bring Me The Horizon in einem Dolby-Atmos-Demofahrzeug. Der Gesangspegel war plötzlich viel lauter als in Stereo, der Punch war weg, und obwohl vorne im Fahrzeug etwas passierte, wirkte die Mischung zerrissen. Autos sind eine besonders feindliche Wiedergabeumgebung für Atmos: Die eigenwillige Lautsprecherplatzierung und die unkontrollierten Reflexionen machen konsistente Ergebnisse nahezu unmöglich.

Diese Mängel betreffen auch prominente Veröffentlichungen wie Metallicas 72 Seasons, das am Abend vor Release in Kinos gezeigt wurde. Es war eine beispiellose Eventisierung von Dolby Atmos, live mit einer kreisförmigen 360°-Bühne inszeniert. Weit entfernt von einer technischen Meisterleistung wirkte das Album wie ein erster Versuch im Format von jemandem, der in Stereo denkt.

Aus anderen, künstlerischen oder moralischen Gründen waren alternative und extreme Metal-Spielarten traditionell am schwächsten unter den Atmos-Anwendern vertreten. Das Streben nach einem perfekten, glasklaren Sound entzieht sich diesen DIY-geprägten Strömungen, die historisch Gegenkulturen verkörpern.

Trotzdem bekommen manche Kultalben zu Jubiläen Neuauflagen mit Atmos-Remastern. Ein Paradebeispiel: Death Cult Armageddon von Norwegens Dimmu Borgir, 2003 mit dem Prague Philharmonic Orchestra aufgenommen. Insgesamt tendiert das jedoch eher zum Musikmarketing als zu einem bewussten Wunsch, ein Kunstwerk neu zu erfinden. Das Problem ist das Denken von hinten: Man beginnt beim Anlass (zwanzig Jahre eines Albums feiern) und wählt dann das Werkzeug, ohne zu hinterfragen, ob die Technik angemessen ist oder wie sie tatsächlich genutzt wird. Das Problem ist also nicht die Innovation selbst, sondern wie Metal-Künstler sie sich aneignen.

Immersion, aber mit Bedingungen

Wenn man über die „Gadgetisierung“ von Dolby Atmos hinauskommt, setzen manche Künstler es klug ein, auch jenseits des Studios. Für die Promo-Tour zu Fear Inoculum entwickelte Tool-Techniker Liam Halpin einen neuen Live-Sound, „inspiriert vom Dolby-Atmos-System bei ihm zu Hause“, schreibt Steve Harvey im Mix Magazine. Dazu gehörte, klassische Lautsprecher mit der V-Serie von d&b audiotechnik zu kombinieren und ihre Bühnenposition und Neigung sorgfältig zu planen. Das Gefühl der Immersion ist in der Atmos-Musikliteratur allgegenwärtig, selbst bei Aufnahmen: „der Eindruck, einem Konzert beizuwohnen“, wie ein Studio auf seiner Website behauptet.

Aus Sicht der Hörer bleibt der Preis dieses Konzerts abschreckend, denn nur bestimmte Plattformen (Apple Music, Tidal, Amazon, Qobuz und bald Netflix) bieten mit der Technik kompatibles Musikstreaming. Dazu Audio-Blu-rays, die ebenfalls Atmos-Inhalte abspielen können.

Ich hoffe, dass die jüngste Kritik an Spotify [Anm. d. Red.: seine KI-Politik, die Militär- und Fast-Medicine-Investitionen des Gründers sowie die Altersverifikation per Gesichtserkennung] anderen Onlinediensten die Tür öffnet, Dolby Atmos zu unterstützen, kommentiert Shawn Dealey, Chefingenieur und Produzent bei Sweetwater Studios in Fort Wayne, Indiana, gegenüber Horns Up.

Über die Abokosten hinaus drängt Atmos die Leute auch dazu, Hardware zu kaufen, um das volle Erlebnis zu bekommen, etwa Lautsprecher oder Kopfhörer.

Eine kulturelle Kluft

Angesichts dieser Hürden zieht das Format ein hochgebildetes, urbanes Publikum an, dem Produktionsqualität wichtig ist und das für musikalische Innovation empfänglich ist. Ein kritisches, wohl materialbewusstes Publikum aus Fans und Profis, für die Musik alles andere als passiv ist.

Natürlich weckt dieses Publikum das Interesse eines Segments der Metal-Szene mit einem plakativeren Kunstverständnis. Das erklärt den Einsatz von Dolby Atmos im Progressive und Technical Metal sowie in bestimmten modernen alternativen Aufnahmen wie Deftones oder Code Orange, wo ein „offener“, weniger komprimierter Sound wirklich profitiert. Auffällig ist auch, dass Künstler, die Atmos nutzen, oft jene sind, die für den Kult um sie herum kritisiert werden, unterstrichen durch teures, vielfältiges, teils außermusikalisches Merch.

Dennoch stößt Dolby Atmos im Metal auf hartnäckigen Widerstand, der Projekte verhindert.

Es gibt die vorgefasste Meinung, dass „harte“ Musik generell laut sein muss, um gut zu sein; viele der großartigen Platten der letzten Zeit haben extrem heiße Stereo-Master. Die Wiedergabespezifikationen von Dolby Atmos liegen etwa neun Dezibel unter einem normalen Stereo-Master. Die Frage „Warum ist das so leise?“ kommt daher ziemlich häufig auf, wenn man Atmos-Master zur Freigabe an Künstler schickt, sagt Shawn Dealey gegenüber Horns Up.

Er ergänzt, dass zwischen 80 und 100 seiner Atmos-Testmischungen nie veröffentlicht wurden. Statt bei der Ermüdung durch die langen Stunden zu verweilen oder beim häufigen Ghosting durch Künstler, bleibt er philosophisch: „Die Gelegenheiten, die sich mir bieten, sind immer bereichernd […]. Die Entscheidung, die Atmos-Version nicht zu veröffentlichen, hat oft mit fehlendem Budget, mangelndem Interesse am Format oder schlicht schlechter Kommunikation zu tun.“

Nach langwierigen Verhandlungen gelang es Shawn, das Management von Animals As Leaders 2022 zum Umstieg auf Dolby Atmos zu bewegen. Parrhesia ist ein Werk, das bei Toningenieuren Gewicht hat. Es zeigt bereits starkes immersives Potenzial; es könnte die räumliche Experimentierfreude weitertreiben, aber das Ergebnis ist solide und hörenswert.

Eine gelungene Übung, umso mehr, als es Shawn Dealeys erster Atmos-Mix nach monatelangem Studium des Formats war. In mehrfacher Hinsicht waren die Arbeitsbedingungen ungewöhnlich: Während 95 % seiner Ingenieursarbeit remote über MP4-Referenzfreigaben laufen, „war das das einzige Mal, dass ich für den gesamten Atmos-Mix eine Band im Studio hatte.“

Hinzu kommt, dass Javier Reyes und Nick Morzov, die die Stereo-Version betreuten, Shawn eine Woche lang bei diesem alternativen Mix zur Seite standen. „Nicks Anwesenheit und sein Pro-Tools-Rig waren eine große Hilfe, um bestimmte Stems zu bekommen, während wir verschiedene Mischmethoden ausprobierten“, fügt er hinzu. Dieses Referenzalbum „Metal in Dolby“ sollte man mit einer gewissen Vorsicht betrachten, denn seine Komposition und sein eigenständiger Stil repräsentieren die breitere Szene nicht besonders gut.

Es besteht aus neun hochatmosphärischen Instrumentalstücken, von denen einige an kontextuelle Musik grenzen („Asahi“ oder „The Problem of Other Minds“). Der Ingenieur gibt es halb zu: „Sobald du Gesang und schwere, durchgehende Gitarren über eine Produktion legst, verlierst du die Fähigkeit, ein so einzigartiges Dolby-Atmos-Erlebnis zu schaffen.“

In jüngerer Zeit stellte eine Produktion aus dem Obscura-Universum diese Sicht jedoch infrage: Changeling, das Progressive-Death-Projekt des Berliner Virtuosen Tom Geldschläger. Das gleichnamige Album gelingt, indem es die Klangquellen vervielfacht, Black-Metal-Vocals, Oud, Wagner-Tuba oder Synth-Pads, „um die räumlichen Bewegungen überzeugend zu machen“.

Eric Horstmann (Immersive Lab) bat Tom „Fountainhead“, zusätzlich vier weitere Gitarrenspuren aufzunehmen, um den Raum zu füllen. Wie Eric betonte: „Die Wall of Sound ist von gestern. Wir wollten einen Room of Sound schaffen“, berichtet der Ingenieur. Trotz ihrer instrumentalen Dichte atmet die Musik; die Gruppe gönnt sich sogar ein neoklassisches Zwischenspiel, ohne in symphonisches Übermaß zu verfallen.

„Ich weiß, dass die ultraverzerrten Elemente im Extreme Metal sehr nah an weißem Rauschen sind, Growls, Becken, Blastbeats oder High-Gain-Rhythmusgitarren. Sie mit subtileren Instrumenten und Schichten zu verweben, ist eine echte Herausforderung. Deshalb erfordert jede orchestrale Metal-Produktion erstklassiges Arrangement, Spiel und Engineering, wenn man die Violinen wirklich über dem ‚Grind‘ der Band hören will“, analysiert Sänger und Texter Florian Magnus Maier „Morean“ (Alkaloid, ex-Dark Fortress) gegenüber Horns Up.

Es ist ein ambitioniertes Werk, durchzogen von musikalischen Höhepunkten wie „Abdication“ und den letzten Minuten von „Anathema“, die stellenweise an Devin Townsend erinnern, durch sanft apokalyptische Passagen und organische „weiße Soli“, brillant komponiert. „Als die Songs im Schreibprozess immer komplexer und opulenter wurden, begann Tom, sich den Dolby-Atmos-Raummix all dieser Schichten vorzustellen, weil er jedem Element trotz der hohen klanglichen Dichte Raum zum Durchkommen gab“, fährt Morean fort.

Interview mit Tom Geldschläger (Changeling)

Welches Album hat dich an Dolby Atmos herangeführt?

Zu Beginn des Schreibens von Changeling wurde ich von einem Freund zu einem IMAX-Hörevent für Rammsteins Zeit eingeladen. Ich ging vor allem wegen des Events, aber das kreative und klangliche Potenzial des Formats in einem so großen Raum zu entdecken, war eine Offenbarung.

Ich habe immer damit gerungen, meine Musik in Stereo richtig zu übersetzen, da ich Metal oft mit orchestralen Elementen, Sounddesign, Elektronik und eher exotischen Klangfarben und Instrumenten kombiniere. Und was zu Changeling werden sollte, zeichnete sich bereits als mein bislang ambitioniertestes Projekt ab. In dieser Nacht ging ich mit der tiefen Gewissheit, dass ich diese Musik unbedingt in Spatial Audio schreiben und produzieren musste.

Wie hat das Label darauf reagiert, dass du einem Dolby-Atmos-Mix Vorrang vor einem klassischen gegeben hast, der vermutlich weniger kostspielig und zeitaufwendig gewesen wäre?

Sie hatten eigentlich kein Mitspracherecht, denn das Album war bereits fertig, als ich bei Season Of Mist unterschrieb. Ich präsentierte es ihnen einfach als das erste je für dieses Format geschriebene Extreme-Metal-Album, genau als ich zu ihrem Roster stieß. Ich sollte aber hinzufügen, dass ich, obwohl das Album gezielt geschrieben wurde, um das Format voll auszureizen, erst Zugang zu einem richtigen Atmos-Mischsetup hatte, nachdem der Stereo-Mix fertiggestellt und ans Label geliefert war.

Kurz gesagt existierte nur in meinem Kopf, wie diese Musik in Atmos funktionierte und klang, bis Eric Horstmann dazukam, dessen Erfahrung und Equipment diesen Traum schließlich möglich machten. Am Ende mischten wir die Atmos-Version in seinem Immersive-Lab-Studio in Berlin, verwarfen meine Stereo-Arbeit komplett und begannen fast bei null, wobei wir sicherstellten, dass meine ursprüngliche künstlerische Vision vor der offiziellen Veröffentlichung des Albums perfekt gewahrt blieb.

Glaubst du, dass die Wahl von Dolby Atmos beeinflusst hat, wie Moreans Gesang aufgenommen wurde?

Man muss wissen, dass Changeling keine Band ist, sondern mein drittes Soloalbum nach Fear Is the Enemy und Reverse Engineering, auch wenn jeder Track ein unglaubliches Aufgebot an Musikern zeigt. Erst als Season Of Mist das Album unter Vertrag nahm, wurde aus Marketinggründen ein eigener Bandname vorgeschlagen, was mir gut passte, denn ich würde diesen Weg mit diesem Team liebend gern weitergehen.

Soweit ich weiß, hatte keiner der beteiligten Künstler zuvor Musik in Dolby Atmos gehört. Ich musste meine Absichten und Ideen also sehr genau beschreiben. Zum Glück ist Morean ein echtes Genie der menschlichen Vorstellungskraft, und ich habe zwei Jahrzehnte Erfahrung im Produzieren von Künstlern. Wir stellten sicher, dass alles wie geplant funktionierte, und klärten unzählige Details und konzeptionelle Überlegungen.

Zum Beispiel gibt es im Zentrum des Titelstücks eine Passage mit rituellen Gesängen, die wir aus verschiedenen Gründen nicht gemeinsam aufnehmen konnten. Also musste Morean sie allein zu Hause aufnehmen, und er hat es hinbekommen und unsere Ideen in eine Performance übersetzt, die wahrscheinlich besser ist, als sie irgendjemand sonst hätte liefern können. Deshalb ist er nicht nur ein lieber Freund und ein fantastischer kreativer Partner, sondern auch eine ständige Inspirationsquelle für mich.

„Anathema“ ist für mich einer der immersivsten Tracks des Albums … Was ist der rote Faden des Stücks?

Das sind sehr interessante Begriffe, um es zu beschreiben! Ich schätze all diese Referenzen! „Anathema“ hat eine lange Geschichte. Sein Arbeitstitel war „Weltseele 2″, weil es die musikalische Fortsetzung einer meiner früheren Kompositionen ist, „Weltseele“, von Obscuras Akróasis (2015), an dem ich beteiligt war.

Dieses fünfzehnminütige Stück wurde zu einem meiner bekanntesten Werke, auch wenn die meisten Fans wahrscheinlich nicht wussten, wer es geschrieben oder wer all die Gitarrenparts gespielt hat. Meine Zeit in dieser Band war leider sehr bitter und negativ, was mich lange davon abhielt, in diesem Stil zu schreiben. Als ich mich schließlich entschied, dort weiterzumachen, wo ich mit Akróasis aufgehört hatte, traf ich auch die bewusste Entscheidung, eine Fortsetzung von „Weltseele“ zu schreiben, die „größer, besser und vollständig“ sein musste, wenn du verstehst, was ich meine.

In diesem Stück passiert eine Menge; ich sorge dafür, ein unvergessliches Erlebnis liefern zu können. Und ich tue alles, um es unterhaltsam, inspirierend und mitreißend zu machen, mit einem erzählerischen Bogen, Struktur, Höhepunkt und einem befriedigenden Abschluss, genau wie es meine liebsten Musiker getan hätten. Es ist der Klang eines Metal-Kindes, aufgewachsen mit Genesis, Mike Oldfield und Devin Townsend, aber auch begeistert von Strawinsky, Schubert und Mahler, das die Idee annimmt, ein „authentischer“ Komponist zu sein, und danach strebt, die Musik zu schaffen, die es selbst hören möchte.

Ob gut oder schlecht, ich wollte, dass Hörer dasselbe Staunen und die tiefe emotionale Erfüllung spüren, die ich bei einem epischen Film, einem großartigen Buch oder einem inspirierenden Gemälde empfinde. Ich wollte, dass dieses Stück mehr ist als nur ein Song: ein Kunstwerk, das deine Aufmerksamkeit einfordert und dich belohnt, indem es dein Bewusstsein erweitert und dich auf eine emotionale Reise mitnimmt, wenn du bereit bist, natürlich.

Du hast am 21. und 23. Mai 2025 zwei exklusive Hörsessions für Changeling im Genelec Showroom in Berlin veranstaltet. Wie haben die Fans reagiert?

Die Reaktionen waren absolut fantastisch. Ich hatte solche Angst, dass die Leute nicht aufmerksam genug sein würden, bei einem sechzigminütigen Album, das so komplex und konzeptionell ist. Ganz zu schweigen davon, in einem schummrig beleuchteten Raum zu sitzen, um Musik ohne jegliche Visuals zu hören. Das wirkt 2025 völlig anachronistisch. Aber zu meiner großen Überraschung schaute niemand auch nur ein einziges Mal aufs Handy. Nicht nur, dass sich jeder Hörer voll auf das Erlebnis einließ, manche kamen sogar zurück und baten darum, bestimmte Songs oder Momente noch einmal abzuspielen, während ich draußen Fragen beantwortete. Ich hörte viele Gäste sagen, sie hätten während dieser Sessions ein lebensveränderndes Erlebnis gehabt, und ich kann die Erleichterung, die Dankbarkeit und den Stolz gar nicht beschreiben, die ich empfand. Diese Sessions markierten für mich das Ende eines unglaublichen Akts aus Entschlossenheit und Geduld.

Im Metal können konzeptionellere, progressive (Djent-)Ansätze in Komposition und Spiel den Einsatz der Dolby-Atmos-Spatialisierung rechtfertigen, wie die oben genannten Künstler und Profis erklären. Der Ehrlichkeit halber sollten wir aber zugeben, dass bestimmte Genres wie klassische Musik von Natur aus ätherisch sind und Stille als Musik behandeln. Diese Eigenschaften machen Atmos-Übersetzungen leichter. Metal dagegen ist oft ein Synonym für rohe Wucht. Das einzige Szenario, in dem ich es für relevant halte, ist, wenn die Musik „Raum“ ins Storytelling integriert, ein bisschen wie ein Live-Konzert. Aber Stereo-Stems einfach in 3D umzupositionieren, funktioniert selten, und leider ist genau das oft das, womit Ingenieure arbeiten müssen. Aus seiner Sicht droht Spatial Audio, die Metal innewohnende Energie zu verwässern.

Frage an Florian Magnus Maier „Morean“ (Changeling, Alkaloid, ex-Dark Fortress): Vor ein paar Jahren hast du ein Doppelgitarrenkonzert namens „Schattenspiel“ komponiert. Es ist bekannt, dass klassische und symphonische Stile zu Dolby Atmos passen. Hat dich die Atmos-Erfahrung mit Changeling dazu gebracht, dieses Stück neu aufzugreifen?

Das wäre ein absoluter Traum. Aber für meine klassischen Werke bleibt ein hochwertiger Konzertsaal der beste Weg, die Musik voll zu genießen, denn unsere Ohren hören in 3D; ein geschultes Ohr kann eine einzelne Violine innerhalb einer großen Orchestergruppe heraushören. Das Hauptproblem entsteht, wenn man dieses dreidimensionale Live-Setup in einen Stereo-Track falten muss.

Man verliert auf einer CD im Vergleich zu einer Live-Aufführung enorm viel [Anm. d. Red.: an Information und Qualität]. Manchmal versuchen wir, das mit zeitgenössischen Produktionstechniken auszugleichen, mit komplexen EQs, Multiband-Kompression oder subtil unterschiedlichen Halls pro Spur. Das Ergebnis finde ich oft flach und kraftlos: Die Dynamik leidet, das Stereopanorama reicht nicht aus, um Bläser oder Streicher zu unterscheiden, wenn alle spielen, und am Ende stapelt sich alles im Mix. Also ja, Dolby Atmos wird auch für diese Aufnahmen die Lösung sein.

FAQ mit Martin Rieger

Ich sage nicht gern „ich höre Metal“. Die Leute springen sofort zu den Extremen, Old-School-Heavy, Thrash oder Black, und stellen sich nichts als raues Gekreische vor. In Wirklichkeit ist es ein breites Spektrum, das sich Nicht-Metal-Hörern schwer erklären lässt. Ich spiele seit über einem Jahrzehnt Gitarre, habe schwere Verzerrung immer geliebt, und selbst als ich für Film komponierte, schmuggelte ich Gitarren in epische Scores, um eine hybride Kante hinzuzufügen. Heute tendiere ich zu Metalcore und Post-Hardcore: Melodie, Synth-Schichten und Bands, die sich nicht zu ernst nehmen.

Vor Kurzem habe ich mich mit Eric zusammengesetzt, der den aktuellen Stand von Atmos im Metal bereits kartiert hatte. Kurzfassung: Es gibt nicht viel, und vieles davon nutzt echte 3D-Platzierung kaum. Metallicas Atmos-Release wirkte wie ein erster Versuch von jemandem, der in Stereo denkt, es saß einfach nicht richtig. Auf der Habenseite zeigt Animals as Leaders – Parrhesia solides immersives Potenzial; es könnte räumliche Ideen weitertreiben, aber was da ist, ist hörenswert.

Ich arbeite seit fast einem Jahrzehnt hauptberuflich im Spatial Audio, meist VR und immersives Video. Ich mische selbst nur selten Atmos-Musik, denn wenn es nicht mit Absicht gemacht wird, bringt es oft wenig Mehrwert. Viele Veröffentlichungen leiden unter knappen Budgets oder begrenzter Expertise, und man hört es.

Metal ist eines der am schwersten gut zu mischenden Genres, und die meisten Ingenieure sind naturgemäß in Stereo erfahrener. Aber wenn man den Punch bewahrt, kann Atmos Details freilegen, die man sonst nie bemerkt. Beispiel: gestapelte Screams (Growls + hohe Shouts). In Stereo verschwimmen sie zu einem einzigen „Monster“. In Atmos fühlte es sich an wie mehrere Monster, die mich umkreisen, sofortige Gänsehaut. Eric spielte mir sogar die rohen A-cappella-Schichten vor, und das war intensiv.

Wir sollten lautsprecherbasiertes Atmos von der Kopfhörerwiedergabe trennen. Ich bin in erster Linie Kopfhörerhörer, und mit gutem Inhalt und Storytelling können binaurale Mischungen auf jedem anständigen Paar funktionieren. Aber Dolbys aktuelle HRTF-Filterung kann Gitarren hart und distanziert klingen lassen, sodass ich auf Kopfhörern oft immer noch Stereo bevorzuge. Auf Lautsprechern dagegen kann Metal wirklich glänzen, manchmal mehr als sein Stereo-Pendant.

Wir befinden uns in einer Übergangsphase, wie beim frühen Stereo, als Mischungen den Gesang hart nach links und die Instrumente hart nach rechts warfen. Es wird Zeit, Experimentierfreude und Mut brauchen, damit Ingenieure Spatial Audio für Metal voll ausschöpfen, und das Hardware-Ökosystem holt noch auf.

Ich mag Metal „direkt ins Gesicht“, und Spatial Audio kann diese Energie verwässern. Trotzdem bin ich, nachdem ich Erics Arbeit gehört habe, überzeugt, dass es einen Weg gibt, damit es funktioniert, und wir stehen erst am Anfang dieser Reise.

Wenn du Interesse hast, mit mir zu arbeiten, ob im Metal oder bei anderen Sounds, meld dich gern.

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